GUBI - Designers
LES DESIGNERS DE GUBILe Danemark est réputé dans le monde entier pour son long et impressionnant patrimoine en matière de design, où une maison de design comme GUBI a fait sa marque. Bien entendu, cela ne s'est pas fait facilement ni tout seul, puisque depuis 1967, l'entreprise collabore avec des designers reconnus et des talents émergents du monde entier, ce qui lui permet de proposer une gamme de meubles exquis et de grande qualité, sélectionnés avec soin. GUBI a été fondée en 1967 par les parents de l'actuel propriétaire et PDG Jacob Gubi, avec pour objectif de produire les meubles design de la famille. Aujourd'hui, l'entreprise est reconnue pour la conception, la création et le lancement d'une gamme de meubles, de lampes et d'accessoires d'intérieur uniques qui font sensation dans le monde entier. Les pièces emblématiques de GUBI parviennent à évoquer des émotions et à raconter des histoires significatives qui rendent les différents modèles intemporels et attachants. GUBI réunit des icônes oubliées du passé et des classiques contemporains, créant ainsi une collection visionnaire qui incarne 100 ans d'histoire, vendue dans le monde entier. Au fil des ans, Jacob Gubi a réussi à maintenir la vision créative de l'entreprise grâce à de nombreuses collaborations avec des designers nationaux et internationaux qui, ensemble, ont créé et produit une gamme de designs esthétiques, fonctionnels, durables et surtout uniques.
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Mads Caprani
Le designer danois de lampes Mads Caprani a commencé son parcours de designer chez Louis Poulsen, où l'on a fait appel à ses compétences techniques d'ingénieur électricien. À ce poste, il a collaboré avec un certain nombre de designers talentueux et éminents, dont Arne Jacobsen, Poul Henningsen et Verner Panton. L'interaction avec ces visionnaires a éveillé l'intérêt de Caprani pour le design, ce qui a marqué le début de sa grande entreprise de lampes qui a connu un grand succès mondial.
En 1967, le père de Mads Caprani, Micheli Caprani, a racheté la fabrique de lampes Rotaflex, que Mads Caprani a rejointe dix ans plus tard avec l'ambition claire de faire sa propre marque avec ses abat-jour plissés, très inhabituels pour l'époque, mais qui sont rapidement devenus les préférés de ses clients. En 1979, Caprani lui-même a repris l'entreprise de son père et a changé le nom en Caprani Light, transformant la petite entreprise danoise en un grand nom mondial avec des succursales dans toute l'Europe, à Chicago et dans le Wisconsin aux États-Unis. Avec ce changement de génération, il a également changé d'orientation, passant d'un simple abat-jour à la conception de lampes entières, d'abord en bois, avant d'explorer d'autres matériaux naturels tels que le métal et la pierre.
De toutes les lampes de Caprani, c'est sans aucun doute le lampadaire Timberline qui a réalisé toutes ses ambitions en matière de design de lampe et qui a assuré son héritage. Timberline est un design unique et remarquable, à l'esthétique classique et intemporelle, qui en a fait un best-seller immédiat et l'a fait connaître dans le monde entier sous le nom de "lampe Caprani". Caprani est décédé en 2014 à l'âge de 72 ans après avoir réalisé son rêve de construire l'une des plus grandes marques d'éclairage au monde. Mais ce n'est certainement pas la fin de son histoire. Les créations d'éclairage de Caprani ont été redécouvertes et, bien que sa société ne soit plus en activité, l'intérêt pour une création de Caprani n'a jamais été aussi grand. C'est donc un grand plaisir pour la marque d'éclairage de renommée mondiale GUBI de travailler avec la famille de Mads Caprani pour ramener ses lampes emblématiques, afin que ses fans du monde entier puissent à nouveau apporter de la lumière dans leur vie et dans leur maison. C'est également dans ce contexte que l'emblématique "lampe Caprani" connaît une renaissance avec le lancement du lampadaire Timberline, disponible dans une combinaison exquise de plastique blanc, de bouleau et de bois de chêne.
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Bill Curry
Dans les années 1960 et 1970, le designer américain Bill Curry a réussi à capter l'air du temps avec ses lampes emblématiques qui reflétaient son environnement merveilleux, transformé en idées simples et intelligentes avec des récits visuels clairs. En outre, la formation pluridisciplinaire de M. Curry et son exposition aux développements de pointe en matière d'électronique et d'ingénierie des systèmes aérospatiaux lui ont donné l'expérience et la confiance nécessaires pour s'aventurer dans le domaine du design industriel et lancer par la suite sa propre entreprise de meubles, Design Line Inc, en 1962.
Curry a développé une nouvelle norme pour l'éclairage, qui comprend une pièce qui fusionne le support, l'ampoule et l'abat-jour en une seule forme organique. On lui doit également le développement de la première forme de lampe à "look total", qui s'affranchit du concept traditionnel du "culot-ampoule" pour explorer l'ampoule exposée de manière ludique et indépendante. C'est également autour de ce concept que s'articule l'un de ses dessins les plus emblématiques. Stemlite se caractérise par son cadre fin et son abat-jour surdimensionné en verre opale, créant un look harmonieux, intemporel et classique qui durera des générations. La série a été développée avec plusieurs modèles dans différents coloris et matériaux, tous caractérisés par une combinaison simple. Ce "total look" a connu un succès immédiat et a valu à sa série le prix "Best Lamps of the Year" décerné par le magazine Industrial Design. Le ministère américain du commerce a présenté la collection Stemlite en Union soviétique, en Yougoslavie et en Irak comme l'exemple parfait du design américain. Après avoir remporté plus de 50 prix nationaux de design, Curry a été décrit en 1969 comme l'un des plus grands designers de Californie, quelques années seulement avant sa mort à l'âge de 43 ans. Son héritage en matière de design se perpétue aujourd'hui, car il est l'un des véritables pionniers du design américain de l'ère spatiale.
Outre sa série emblématique Stemlite, Curry a également réussi à concevoir l'exquise Obello Portable Table Lamp peu avant sa mort, ce qui signifie qu'il n'a jamais eu l'occasion de la voir en production ou de la nommer. Obello s'inspire de l'ère atomique, de la course à l'espace et de la culture pop qui caractérisait Los Angeles dans les années 1970, et qui a évolué vers la forme visuelle de la lampe. Cette lampe Obello est une icône du design de l'ère spatiale qui sert de pièce d'affirmation forte à l'intérieur et à l'extérieur de la maison, ainsi que de source d'éclairage fonctionnelle.
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Bonderup & Thorup
En 1969, les architectes Claus Bonderup et Torsten Thorup sont diplômés des écoles d'architecture de l'Académie royale danoise des beaux-arts et commencent à travailler pour l'architecte danois Henning Larsen à Copenhague. À partir de là, les deux architectes ont entamé une collaboration qui a duré la majeure partie de leur carrière et qui a donné lieu à une série de projets remarquables.
Les œuvres de Thorup et Bonderup se caractérisent par leur simplicité honnête et classique, avec une attention particulière portée aux détails et à la qualité, ce qui est particulièrement évident dans le Semi pendentif de 1968. Mais ce n'est que dans les années 80 que le design danois, qui était alors le plus vendu, a acquis une reconnaissance mondiale et un statut d'icône, ce qui en a fait un favori dans de nombreux intérieurs à travers le monde.
La suspension Semi présente un design classique et unique avec un abat-jour en métal émaillé incurvé qui fournit une lumière diffuse, agréable et conique, ce qui la rend idéale au-dessus de la table à manger ou dans la cuisine. Grâce à la légèreté de sa forme, à son design unique et intemporel et aux différentes couleurs et tailles disponibles, la suspension Semi est un modèle très polyvalent qui s'intègre parfaitement dans tous les types d'environnements, tant dans les espaces privés que publics.
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Corsini & Millet
Barba Corsini était un architecte fonctionnaliste de premier plan qui a remporté un certain nombre de prix internationaux pour ses projets concernant le bâtiment de La Pedrera à Barcelone. Corsini a été fortement inspiré par l'architecte allemand Mies van der Rohe et l'architecte américain Frank Lloyd Wright. Le style personnel de l'architecte espagnol peut être décrit avec justesse comme une "simplicité puissante", qui est également clairement représentée dans sa collection Pedrera.
L'architecte de talent Joaquim Ruiz Millet a fondé la galerie Galeria H20 à Barcelone en 1989, où il a exercé les fonctions de propriétaire, d'agitateur culturel, de commissaire d'exposition et d'éditeur de livres et d'objets de design. En 1991, lors de la restauration de La Pedrera, il a découvert la beauté du magnifique lampadaire PD2, qu'il a empêché d'être jeté. Ruiz Millet a voulu sauver les œuvres de Corsini et les rendre plus connues et plus accessibles au public. C'est ainsi qu'il a commencé à collaborer avec Corsini pour relancer les dessins originaux qu'il avait créés pour La Pedrera à l'époque.
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Gabriella Crespi
La créatrice et artiste italienne Gabriella Crepsi aurait eu 100 ans en 2022. GUBI marque cet anniversaire en mettant en production la collection Bohemian 72, 50 ans après sa création. Tout au long de son extraordinaire carrière dans le monde du design, elle a réussi à passer sans effort de la royauté européenne à la jet set d'Hollywood, où son glamour et sa sophistication indéniables ont fait d'elle la muse du créateur Valentino et ont amené Audrey Hepburn, Gianni Versace et Hubert de Givenchy à faire partie de son cercle social. L'esthétique de Crespi se caractérise par la dualité entre la fonctionnalité moderniste et le baroque, ainsi que par l'alternance de lignes épurées et de courbes sensuelles.
Bohemian 72 est une collection de rotin élégante, flexible et raffinée qui reflète la fascination de Crespi pour les formes sculpturales et sa curiosité pour les cultures orientales. De son vivant, ces pièces exclusives n'étaient produites que pour des clients privés, mais aujourd'hui, 50 ans après leur première présentation, GUBI a travaillé à partir de ses dessins originaux et a donné vie à cette collection exceptionnelle pour la première fois. La collection comprend un fauteuil, un canapé trois places, un tabouret et un lampadaire - et vous pouvez trouver ce lampadaire unique ici.
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Louis Weisdorf
Parmi les architectes et designers industriels danois les plus influents et les plus connus, Louis Weisdorf vient naturellement à l'esprit. Weisdorf se décrivait lui-même comme un spécialiste de la polyvalence, ce qui résume bien sa carrière phénoménale et remarquable qui comprenait une collaboration avec les jardins de Tivoli à Copenhague, un cabinet d'architectes prospère et une série de créations exceptionnelles, dont Multi-Lite et les pendentifs Turbo - et aujourd'hui, plusieurs de ses créations sont mondialement connues et très recherchées en tant qu'objets de collection.
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Robert Dudley Best
Héritier du plus grand fabricant de luminaires au monde, Best & Lloyd, Robert Dudley Best était également un passionné de design qui cherchait à briser les barrières entre les avantages industriels et artistiques, un intérêt que partageait également son ami Walter Gropius. Walter Gropius est également le fondateur du mouvement Bauhaus, qui a pris d'assaut l'Europe avec ses lignes et son style stricts et épurés, dont Dudley Best a été fortement influencé. C'est également à cette époque que les premiers dessins de l'emblématique Bestlite ont été réalisés.
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Space Copenhagen
Signe Bindslev Henriksen et Peter Brundgaard Rützou ont fondé le studio de design Space Copenhagen en 2005, créant des meubles, des lampes, des objets raffinés et des installations artistiques ainsi que de l'art décoratif pour des maisons privées, des hôtels et des restaurants dans le monde entier. L'ambition du duo de designers est de créer de nouvelles façons d'équilibrer les oppositions et de créer des contrastes, notamment entre le classique et le moderne, l'industriel et l'organique, le sculptural et le minimaliste et la lumière et l'ombre.
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Gio Ponti
L'architecte, designer et éditeur italien Gio Ponti est reconnu comme l'un des visionnaires les plus influents du XXe siècle. Tout au long de sa carrière, Ponti a conçu une grande variété de meubles et de produits, allant des armoires, lampes et chaises aux céramiques, objets en verre et miroirs. Il a également construit des bâtiments, dont l'emblématique tour Pirelli à Milan et le Denver Art Museum, qui a été construit dans 14 pays. Grâce à son propre magazine de design, Domus, il a encouragé la curiosité et l'ouverture d'esprit à l'égard du design innovant.
Les créations de Ponti ont été fortement influencées par la devise "la dolce vita", qui permet aux gens de s'entourer d'un bon design pour mieux profiter de la vie. Ce style de vie italien dynamique se reflète clairement dans son portfolio, qui continue d'inspirer les artistes et les designers dans le futur. Aujourd'hui, nombre de ses créations sont achetées par des collectionneurs avisés qui souhaitent ajouter une touche d'esthétique italienne et d'élégance sans effort à leur intérieur.
Parmi sa gamme exquise figurent les miroirs F. A. 33, conçus à l'origine en 1933 pour le plus important fabricant de lampes, de verre et de miroirs de l'époque, FontanaArte, que Ponti et Pietro Chiesa avaient fondé quelques années plus tôt. F. A. Le miroir 33 a une forme légèrement incurvée et un aspect iconique et intemporel qui ajoute une touche de finesse et d'élégance à tout style d'intérieur.
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Jacques Adnet
Jacques Adnet, architecte français et moderniste de l'Art déco, était une icône du modernisme français. En 1925, il est reconnu comme l'un des jeunes créateurs les plus prometteurs par le Salon d'Automne et les Expositions des Arts Décoratifs - et à ce jour, il reste l'un des créateurs français les plus honorés, dont l'œuvre durable et innovante est toujours très recherchée. Tout au long de sa carrière, Adnet a toujours été l'un des premiers artistes à exprimer les nouvelles tendances. Il a également été l'un des premiers designers à combiner le cuir et le verre dans la structure et la décoration d'un meuble - ce qui est également le cas avec ses miroirs Adnet.
En 1950, Jacques Adnet s'associe à une célèbre maison de couture française, pour laquelle il développe une ligne de meubles et d'accessoires d'intérieur en cuir, discrets mais remarquables. Il a conçu un miroir rond en cuir, élégant et distinctif, avec des détails exquis qui le rendent particulièrement attrayant et décoratif dans l'intérieur. Outre les détails uniques en cuir et en laiton poli, le miroir Adnet est également disponible en différentes tailles et dans des formes carrées et circulaires, chacune apportant une touche sculpturale et intemporelle au couloir, à la chambre ou à la salle de bains, où elles sont très décoratives.
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Mathieu Matégot
Mathieu Matégot était un designer, architecte et artiste hongrois polyvalent, indépendant et autodidacte qui a passé la majeure partie de sa vie à Paris, où il s'est installé en 1931 après avoir obtenu son diplôme de l'école d'art et d'architecture de Budapest. En 1939, il s'engage comme volontaire dans l'armée française, après quoi il est retenu prisonnier en Allemagne jusqu'à son évasion en 1944. Sa captivité pendant la guerre est un moment important dans la carrière de Matégot, car c'est là qu'il se familiarise avec le matériau et la technique innovante qu'il nommera Rigitulle et qui deviendra plus tard le trait le plus caractéristique de son œuvre.
C'est cette technique et ce matériau d'avant-garde qui ont fait sa renommée, et qu'il a ensuite brevetés pour les ajouter à toutes ses créations. Il a toujours produit un nombre limité de produits, jusqu'à 400, et ce jusqu'aux années 1960, lorsque Matégot a soudainement arrêté la production et a commencé à travailler sur des tapisseries, ce qu'il a continué à faire jusqu'à la fin de sa carrière. A l'instar des textiles, Rigitulle sait aussi se plier, se plier et se mouler pour donner aux meubles qu'il conçoit une transparence, une apesanteur et une modernité durable.
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Paavo Tynell
"L'homme qui a illuminé la Finlande" : c'est ainsi que l'on appelait affectueusement Pavvo Tynell, le pionnier finlandais de l'éclairage. Tynell a été l'un des fondateurs de Taito Oy, où il est devenu le premier fabricant industriel de luminaires en Finlande. Tynell est devenu un designer plus important dans les années 1930 et 1940, collaborant avec certains des architectes finlandais les plus reconnus et les plus célèbres, dont Alvar Aalto, l'un des plus notables. La société de Tynell, Taito Oy, a produit des luminaires pour les principaux projets d'Alvar Aalto, tels que le sanatorium de Paimio et la bibliothèque de Viipuri.
Tynell a été particulièrement honoré pour son travail au studio de design "the Finland House" à New York, qui a présenté le travail impressionnant de designers et d'artisans finlandais. Ses élégantes créations en laiton connaissent un succès immédiat en Amérique du Nord et il commence à créer des éclairages pour la prestigieuse société américaine Lightolier. Tynell était un maître artisan exceptionnel, créant ses modèles à partir d'une esthétique traditionnelle avec une sensibilité moderne combinée à une utilisation extensive du laiton perforé et poli comme matériau principal.
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Greta M. Grossmann
Greta M. Grossmann, icône du design suédois, a réussi à mener une longue carrière de 40 ans en Europe et en Amérique du Nord, où elle a été extrêmement active et influente dans le monde du design dominé par les hommes. Elle a eu de nombreuses réalisations impressionnantes, dans les domaines du design industriel, du design d'intérieur et de l'architecture. En 1933, elle termine ses études à la célèbre institution artistique de Stockholm, Konstfack, après quoi elle immigre à Los Angeles avec son mari, Billy Grossman. Elle y a ouvert une boutique très médiatisée sur Rodeo Drive, où elle a été l'une des premières à introduire l'esthétique scandinave moderne en Californie du Sud. Son approche unique du modernisme suédois a connu un succès immédiat à Los Angeles, et il n'a pas fallu longtemps pour qu'elle se constitue une clientèle de renom.
Parmi toutes ses réalisations en matière de design et d'architecture, elle est surtout connue pour ses créations industrielles, le lampadaire Gräshoppa et la lampe de table Cobra figurant parmi ses œuvres les plus célèbres.